México es una potencia mundial de arte. El arte pareciera estar en nuestras venas. Casi toda manifestación creativa sucede incluso en nuestra vida cotidiana. El arte popular utilitario, el diseño, la arquitectura, la cantidad de estudiantes de las carreras para crear y las numerosas galerías que existen lo demuestran.

Esto es quizá gracias al tipo de territorio en el que habitamos, pues no sólo hay artistas nacidos aquí, sino que personas interesadas en crear vienen a México desde todos los rincones del mundo para experimentar la explosión sensorial que el país les ofrece. Muchos de ellos nunca se van.

El maestro Pedro Friedeberg en una entrevista reciente en Revista Central dijo “Artistas hay miles, coleccionistas son los que faltan” y es verdad. La producción es amplísima.

Pero en afán de dar un norte para experimentar todo lo que está sucediendo en torno a la semana más artística del año, he aquí nuestra rigurosa selección de 10 artistas mexicanos contemporáneos a los que hay que seguirles la pista. Van desde la producción local e íntima hasta los grandes proyectos internacionales. Así como, de las técnicas tradicionales a la instalación y el videoarte, esto con el objetivo de ofrecer un abanico amplio que pretende dejar testimonio de la escena actual del arte en la que destaca su enorme diversidad.

(Ciudad de México 1970 - )

Quizá su obra más representativa y recordada es la de Black Cloud, en la que miles de mariposas negras o polillas se apoderan estéticamente del espacio. Con lo que el artista recuerda un sueño previo a la muerte de su abuela. Podría ser una aterradora imagen que anuncia el adiós, de acuerdo a la cosmovisión de México, pero en realidad se presenta como una obra monumental en su manufactura y profundamente armónica en su composición. Esta pieza se ha presentado en distintas partes del mundo.

Amorales es además una figura clave del arte contemporáneo mexicano con obra exhibida globalmente y representado por galerías influyentes como Kurimanzutto. Su trabajo es multidisiplinario ya que lo desarrolla en soportes como instalación, fotografía, videoarte, dibujo, animación y pintura. La investigación que realiza va en torno a la semiótica, los lenguajes cifrados, los códigos y los gestos.

(Ciudad de México 1993 - )

Es una artista egresada de la Facultad de Artes y Diseño, que explora con su pintura en acuarela el cuerpo, lo erótico, el paisaje y la melancolía. Desde una lectura naif, toca temas fuera de lo convencional en el arte femenino transgrediendo los paradigmas de la participación activa de la mujer en la vida artística y también la vida sexual. Su lenguaje va entre la mancha y el papel como objetos expresivos. Exponen su seducción, sus historias y sus múltiples presencias. El deseo, la mirada y la memoria son evocaciones que provocan sus obras de pequeño formato; muchas de ellas explícitas, presentan escenas en las que se ven situaciones en que se está verdaderamente presente. Siempre desde una mirada femenina. Representada por la galería Enrique Guerrero ha llegado ya al gran mercado de ZSONAMACO.

(Ciudad de México 1967- )

Es un artista que lleva varias décadas trabajando con tecnología e inteligencia artificial. Su obra siempre interactiva provoca emociones en el espectador y muchas veces se manifiesta ante los grandes problemas del mundo. Expone en museos y a la par vende en miles de dólares, lo que rompe el mito de la contraposición entre los artistas académicos y los comerciales. Él ha logrado todo.

Sus obras en México las ha presentado tanto el MUAC como el MAM y también galerías como Arte Abierto, en Artz Pedregal. A través de sistemas eléctricos sensibles, permite visualizar, por ejemplo los latidos del corazón, el reconocimiento facial que busca similitudes con los rasgos de los desaparecidos y te hace empatizar con su historia a través del lenguaje artístico.

Otra de sus obras icónicas es Pulse Tank, donde sensores de ritmo cardíaco envían ondulaciones a través de la superficie del agua, o en la instalación del Guggenheim de 2009, Levels of Nothingness, que permitía a las personas hablar frente a una computadora que vinculaba las características de la voz con colores proyectados en la sala. Su obra Vectorial Elevation, en la que 800 mil participantes crearon esculturas de luz sobre la Ciudad de México y que se considera la obra de arte interactiva más grande del mundo. Lo representan Bitforms Gallery, una galería especializada en arte y nuevas tecnologías en Nueva York y Galería Max Estrella, con sede en Madrid, entre otras.

(Uruapan, Michoacán 1962 - )

Los hermanos Jorge y Javier Marín, han profesionalizado el ecosistema del arte en México. Generando practicas mucho más precisas y formales de gestión, promoción e internacionalización del arte mexicano.

Javier no sólo es uno de los artistas más importantes en México, sino que se ha convertido en uno de los artistas más reconocidos del mundo. Entre sus éxitos está el haber sido seleccionado para construir, con otros dos artistas, la fachada de la Gloria en la Sagrada Familia de Barcelona, proyecto de Antoni Gaudí y uno de los monumentos más visitados del mundo. Esta parte será inaugurada en junio del 2026.

Su obra ha recorrido especialmente espacios públicos. Se le conoce en todo el mundo gracias a sus exposiciones en lugares como La Haya, Bruselas, Roma, Paris y Seúl entre otras ciudades.

(Ciudad de México 1972 - )

El mejor paisajista contemporáneo, heredero de la tradición de José María Velasco , Dr. Atl y Luis Nishizawa, ha logrado escalar la pintura a lo conceptual con su serie de obras dedicadas al ciclo agrícola en los que retrató amaneceres en invierno, la noche en el verano y el campo fresco al amanecer en primavera. Nos recordó los marcadores ancestrales que las culturas prehispánicas tenían para observar la naturaleza y con ello controlar la producción de alimento.

En su reciente exposición en el Museo Kaluz nos mostró qué hay en el Valle de México, más allá de la mancha urbana. De los pocos artistas que conservan la tradición de pintar in situ, por lo que la pintura la combina con preparación física para ascender grandes montañas y resistir inclemencias del tiempo.

Cursó la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México donde fue distinguido con la Medalla Gabino Barreda al mérito universitario. Fue merecedor de la beca del FONCA y a punta de trabajo disciplinado y estudio constante ha logrado conquistar los mercados más exigentes.

(Ciudad de México, 1982- )

El trabajo de Hilda Palafox se desarrolla entre el dibujo, la pintura, la cerámica y el textil. En sus trazos se esconde el misterio de lo femenino equilibrándose con el simbolismo del estado físico, emocional y espiritual; explora el cuerpo como materia con capacidad de moldearse a sí misma.

Su contacto con la tierra como fuerza femenina y material de origen, como el cuerpo mismo que alberga potencial de vida son para ella un especie de acto de resistencia frente a las amenazas de destrucción. Fusiona así la ecología y el cuerpo, libres e intuitivos, de naturaleza orgánica.

Por otro lado ha destacado por la ejecución de murales en distintas partes del mundo. Es representada por la galería Proyectos Monclova y ha trabajado con Sean Kelly Gallery en Nueva York.

(Estado de México 1968 - )

Artista que se ha dado a conocer por pintar desnudos masculinos con lo que desafía la tradición de la pintura con desnudos femeninos, siempre observados por hombres.

Expone con frecuencia en Europa y su statement se centra en mostrar la vulnerabilidad del hombre, desde los ojos de ella, una feminista, que no se confronta con la figura patriarcal, sino que muestra a través del arte el lado frágil de la desnudez masculina. Se trata de una reflexión profunda acerca del trabajo y el arte de las mujeres como agente de cambio, en donde la creatividad feminista se muestra como una herramienta para poder expresar lo mismo que por muchos años ha expresado el hombre: el desnudo.

Ganó en 2004 el Premio de la Civica Galleria d'Arte Contemporanea de Lissone, en Lombardía. Se graduó con honores en la Academia de Bellas Artes de Brera, en Milán y se puede encontrar su trabajo en Saatchi Art.

(Apan, Hidalgo 1982 - )

Con una perspectiva crítica del presente y una depurada técnica de uso de distintos materiales, Chavis Mármol ha conquistado los titulares de la prensa a la vez que al mercado del arte.

Paradójicamente su obra tiene un alto contenido conceptual y rigor académico. Incluso se desempeña como profesor en la UNAM y estudió una carrera en Artes Visuales por la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo así como la Maestría en Artes Visuales por la Universidad Autónoma de México UNAM.

Es conocido por la obra en la que una representación de las cabezas Olmecas, aplasta un Tesla, cuyo valor oscila en los 40 mil dólares. Esta obra inundó las redes sociales y le hizo saltar a una fama más vertical, es decir, le conocieron otros círculos, más allá de el del arte.

Su objetivo fue reivindicar la cultura Olmeca con esta expresión milenaria. De hecho las cabezas olmecas son un elemento utilizado con anterioridad por él en un performance en el que aparece como repartidor de aplicación con una mochila en esa forma.

Chavis cuenta con apoyo y mecenazgo para poder realizar estos proyectos y ha participado en ferias de arte emergente como NADA Miami. Así como algunas exposiciones colectivas en galerías en México y en Proyecto N.A.S.A.L en Zona Maco.

(Ciudad de México 1935- )

Radical y disruptiva, la historia tiene una deuda con esta artista de la generación de la ruptura que no fue tan valorada como lo debería y a quien se le augura un resurgimiento. Su coherencia e insistencia con el negro como concepto de investigación en torno a sus significados. Su textura, la absorción de la luz, la combustión, los minerales y su presencia. La obra de Beatriz es totalmente negra. Ha sido expuesta en diversos momentos en los Museos de México, entre ellos el MUAC y el Museo de la Ciudad.

Su formación fue híbrida: parte en talleres con maestros, parte académica en instituciones, y parte autodidacta, sobre todo a partir de mediados de los años 70, cuando transformó radicalmente su producción plástica hacia su serie monocromática en negro. Actualmente comercializan obra suya las galerías Enrique Guerrero y Aguafuerte.

(Chicontepec, Veracruz 1947- )

Es un artista multidisiplinario que su investigación plástica es en torno a sí mismo. El autorretrato es su signo distintivo, en el que puso su propio cuerpo al centro para hablar de deseo, poder, fe, censura e identidad. Durante más de seis décadas, el autorretrato fue su herramienta para convertir lo íntimo en político y lo personal en una pregunta incómoda.

Sus obras abrieron camino a jóvenes artistas de la comunidad LGBTIQA+ y en su momento abrieron debate y disidencia.

Actualmente se exhibe en el Museo del Chopo una revisión del universo visual de este artista arraigado a su origen y claro en ser auténtico e intimo en su lenguaje que hace un llamado a revisar neoconservadurismos. Actualmente vende obra de su autoría la Galería Mónica Saucedo.

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A través de la imagen se transforma la percepción de la realidad. La imagen y los conceptos que se desarrollan a través del arte nos muestra lo que pensamos, sentimos, y queremos como sociedad. Los diez artistas aquí recuperados lo han logrado con sus trayectorias que han transformado la realidad y la forma de vincularnos con ella desde perspectivas innovadoras, incluyentes, provocadoras y rebeldes.

Todos están presentes en el mercado del arte y muy probablemente puedas observar su trabajo durante la semana del arte. Con ello decidir cuál es el que te hace sentido a ti o resuena con tu forma de pensar.

*Kristina Velfu es periodista cultural, especializada en el mercado y difusión del arte y la cultura.  @Velfu

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La fotografía en México no se entiende sin el nombre de Lourdes Almeida. Su obra, profundamente personal y experimental, ha marcado generaciones enteras y ampliado las posibilidades del lenguaje visual desde un lugar íntimo, lúdico y crítico. En 2026 esa mirada llega a BADA México como artista invitada de una de las ferias más relevantes de la Semana del Arte de la Ciudad de México.

Con más de cinco décadas de trayectoria, Almeida es reconocida como pionera de la fotografía experimental y del uso creativo de la Polaroid en el país, un medio que convirtió en terreno de exploración narrativa, intervención manual y construcción simbólica. Su trabajo ha abordado temas como la familia, el linaje femenino, la memoria, la migración y la religiosidad, integrando referencias a la cultura popular y a la iconografía religiosa desde una perspectiva profundamente autoral.

La presencia de Lourdes Almeida en BADA México 2026 celebra una carrera consolidada, y reafirma el espíritu de la feria: la generación de encuentros personales entre artistas y públicos, tender puentes entre trayectorias fundamentales y nuevas audiencias, y recordar que el arte, sobre todo, se construye desde lo humano.

A lo largo de su carrera Almeida ha participado en más de 300 exposiciones colectivas en México y el extranjero, con muestras emblemáticas como Altars of the World en el Museum Kunst Palast de Düsseldorf y Women Pioneer: Mexican Photography en la Galería Throckmorton de Nueva York. Su trabajo ha sido reconocido con premios nacionales e internacionales, entre ellos el Premio Camera de la UNESCO por Retrato de familia (1996), así como múltiples Premios Ariel por su trabajo en vestuario, escenografía y ambientación cinematográfica.

Recientemente recibió la Distinción al Mérito Fotográfico otorgada por el INAH y la Secretaría de Cultura durante el XVIII Encuentro Nacional de Fototecas, un reconocimiento que subraya la vigencia y relevancia de su legado en la fotografía mexicana contemporánea.

Además de su práctica artística, Lourdes Almeida ha desarrollado una sólida labor como docente, curadora, coleccionista y gestora cultural. Ha impartido cursos y seminarios en instituciones como la UNAM, la Universidad Iberoamericana, el ITESO y el Tecnológico de Monterrey, y forma parte del Observatorio de Fotografía Contemporánea México, un espacio de reflexión crítica sobre el presente y futuro del medio.

Su participación en BADA México 2026 representa un entrelazamiento de historias entre pasado y presente, una invitación a dialogar con una artista que transformó la manera de mirar, pensar y construir la fotografía en México.

Puedes ver las obras de Lourdes Almeida en su sitio oficial .

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Esta invitación a conocer la nueva colaboración de Gran Ricardo de Monte Xanic con Eduardo Terrazas fue, para mí, una gran oportunidad para tener un acercamiento personal a uno de los artistas, arquitectos y creativos más trascendentes que ha tenido México en su historia reciente.

Estar frente a él es estar frente a la historia viva del diseño. A sus 89 años, el maestro Terrazas nos explica con una precisión envidiable su concepción sobre la belleza y cómo ha desarrollado la estética de sus obras que hoy visten la edición especial 2025 del vino más premiado de México.

Pero más allá de la técnica, lo que permea en la conversación es su sabiduría:

Para entender la magnitud de esta alianza con Monte Xanic , hay que recordar quién es Eduardo Terrazas. No es solo un artista plástico; es el visionario que ayudó a definir la identidad visual de nuestro país ante el mundo.
Fue pieza clave en la identidad de los Juegos Olímpicos de México 68, codiseñando el icónico logotipo y dirigiendo el sistema de señalización urbana que transformó la Ciudad de México. Su trayectoria es un mapa global:

• Trabajó en París con el movimiento Team Ten y arquitectos ligados a Le Corbusier.
• Colaboró con el museógrafo Fernando Gamboa en exposiciones históricas en Leningrado y Varsovia.

• "He tenido experiencias... no digo por todo el mundo, pero casi por todo el mundo", recuerda con humildad sobre esos años formativos.

  

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  julio 18, 2025 10:27 a. m.

  Monte Xanic Syrah 2024: Un Vino Orgánico Excepcional

  El Monte Xanic Syrah 2024 es un vino orgánico bien hecho y perfecto para disfrutar en cualquier momento.

  

  Paulina Gómez Mascarell

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Para la edición 2025 de Gran Ricardo, el maestro Terrazas retomó su famosa subserie "Diagonales", parte de su colección Posibilidades de una Estructura . Lo fascinante fue escuchar de su propia voz cómo estos trazos geométricos no son simples líneas, sino una interpretación de las fuerzas del universo.

Mientras señalaba la caja que resguarda la botella, el maestro me explicaba su proceso creativo:

"Son las cuatro fuerzas que mantienen al universo en armonía: la fuerza de la gravedad... el electromagnetismo... y la fuerza nuclear fuerte y débil. Todo, todo está hecho de átomos".
Esta estructura, a la que él llama "Cosmos", utiliza la geometría para representar lo infinito. Para esta pieza en particular, la inspiración vino de la tierra y la vid.

Terrazas tradujo los colores de las uvas que componen el blend de Gran Ricardo (Cabernet Sauvignon, Merlot, Cabernet Franc, Petit Verdot y Malbec) en líneas que se cruzan y dialogan armónicamente.

Lo que hace única a esta edición de colección es la fusión de mundos. Terrazas incorpora en su obra la técnica wixárika (hebra de lana sobre cera de Campeche), un aprendizaje que obtuvo de su relación con artesanos como Santos Motoaopohua de la Torre. Este método requiere una paciencia meditativa, muy similar a la que se necesita para crear un vino ultra premium.

Al ver la botella, uno no solo ve diseño; ve una estructura que busca el equilibrio perfecto, tal como lo busca un enólogo al crear un ensamble.

Me quedo con su reflexión final sobre la vida moderna: "La inmediatez ha hecho que perdamos el detalle". Esta colaboración entre Eduardo Terrazas y Monte Xanic es una invitación a recuperarlo. A detenernos, observar las diagonales, disfrutar una copa de Gran Ricardo y recordar que, en efecto, la belleza es verdad.

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La conexión de María Félix con el arte no para en el mundo cinematográfico. La Doña fue una persona inmiscuida con el círculo artístico e intelectual de su época en México, ella fue amiga e inspiración de pintores, escritores, compositores, modistas y hasta joyeros.

Es más, para 1996, María Félix recibió la orden de Commandeur dans I’Ordre National des Arts et des Lettres, una de las mayores distinciones del gobierno francés a quienes contribuyen al arte, la literatura y claro está, su difusión.

El legado de María Félix en las artes es amplísimo, pero si tan sólo nos enfocamos en las pinturas, es fácil apuntar a la predilección de esta gran diva mexicana por las pintoras… por el simple hecho de que ellas la entendían y retrataban mejor, a diferencia de artistas como Rivera.

De acuerdo con la investigación de Dina Comisarenco, “Para re-escribir la historia: las pintoras surrealistas y sus retratos de María Félix” , María Félix comisionó alrededor de medio centenar de retratos, mismos que en 1992 serían expuestos en el Palacio de Minería. En específico, entre 1950 y 1970, Félix fue retratada por artistas surrealistas (o afines a esta corriente estilística), con varias de ellas también mantuvo buenas amistades y el fruto de esa conexión es visible en cuadros que retoman la figura de La Doña incluso en su abstracción. Algunas de estas artistas fueron Leonor Fini, Bridget Bate Tichenor, Remedios Varo , Leonora Carringto n y Sylvia Pardo.

Sin embargo, Félix también mantenía una amistad con Diego Rivera y Frida Kahlo (aunque la actriz nunca fue fanática de sus pinturas), y Rivera estuvo a cargo de uno de sus retratos con más historia y polémica por una simple razón: a María Félix le desagradó tanto el cuadro que pidió que lo modificaran, y años después se rehusó prestarlo al artista para una exposición en Bellas Artes.

Ahondando más en el caso del retrato que Diego Rivera le hizo a María Félix, la historia comienza con la amistad entre La Doña y Frida Kahlo en la década de los 40. Incluso Félix llegó a vivir con la pareja de pintores en la Casa Azul, y mucho se ha escrito sobre cómo ambos se enamoraron de la actriz, así de cómo Diego Rivera le confesó su amor e incluso le propuso matrimonio.

Entre la amistad y el enamoramiento fue como resultó el retrato que Rivera le hizo en 1949, sin embargo, es bien sabido que a María Félix nunca le gustó el resultado.

La propia actriz lo reveló en una famosa entrevista con Jacobo Zabludovsky , en la cual explicó que ella quería ser retratada como Tehuana –un traje regional mexicano de las mujeres del Istmo de Tehuantepec, y que Kahlo comúnmente vestía–, pero que Riviera se negó a hacerlo. En cambio, en el cuadro, María Félix porta un vestido de encaje que dejaba poco a la imaginación…

Sin embargo, el disgusto de María Félix con el retrato fue tal que no dudó en mandar modificar la pintura. Ella cuenta que le pidió a un albañil que cubriera la transparencia en su pecho, haciendo el vestido completamente blanco.

De acuerdo con la actriz, en la misma entrevista con Zabludovsky, Rivera quería el retrato para una exposición en Bellas Artes, pero ante la negativa, él se molestó con ella al grado que la insultó y la dejó de hablar por hasta un año.

Aún así, con todo y la modificación, el retrato permaneció en casa de María Félix, a pesar del descontento de su esposo Alexander Berger. “Alex pasaba todos los días y me decía ‘algún día que tengas una crisis de amor me vas a quitar esa pintura de ahí porque no me gusta nada’”, declaró La Doña. La queja de Berger es que parecía que tenía una pierna de palo y que estaba sentada en el “water” y que estaba horrible.

Eventualmente, le vendió el cuadro a José Álvarez Amézquita y tiempo después llegó a manos de Juan Gabriel, que de acuerdo con los reportes, lo compró por 15 millones de pesos. No obstante, después de la muerte de Juan Gabriel, el cuadro se considera perdido, pues no se encontraba en la casa de Las Vegas donde Rossy Miler lo vió colgado.

Mientras tanto las teorías sobre su paradero continúan, entre que sigue perdido entre la herencia de Juan Gabriel, otras refieren a que el retrato estuvo en manos de el exgobernador de Chihuahua Javier Duarte, pero hasta ahora, tan solo nos quedan algunos registros fotográficos de su existencia.

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El muralismo en México es una disciplina que al día de hoy sigue vigente y en constante evolución, con grandes figuras manteniendo vivo el movimiento representado por José Clemente Orozco y Diego Rivera. Uno de los nombres que resaltan entre los grandes artistas plásticos que siguen sorprendiendo con su arte es el maestro Arnaldo Coen, que desde mediados del siglo XX, con trabajos en la escultura, la pintura, el body paint y otras ramas, como el mural.

A sus 85 años, el maestro Coen sigue reforzando su legado al mantenerse vigente, con un estilo geométrico y realista que ha sido aplaudido por expertos y galardonado por prestigiosas instituciones. A raíz de su trayectoria, el gran artista ha sido condecorado con el Premio Nacional de Ciencias y Artes, además de ser nombrado Miembro de Número de la Academia de las Artes. Este es un prestigioso puesto vitalicio, cuya tarea es velar por las diferentes disciplinas artísticas en el país.

El pasado 3 de julio de 2025, el maestro Arnaldo Coen reveló su más reciente trabajo titulado Mutua presencia de tiempos eternos, como parte de la celebración por 250 años del Monte de Piedad. La pieza está presente en Casa Abierta Monte y ahora forma parte del acervo cultural de la famosa compañía.

El objetivo de este trabajo es conectar con las raíces mexicanas, mientras se manifiestan el presente y el futuro de forma simultánea, con diferentes significados expresados en la obra geométrica que parte de distintos puntos de fuga. A su vez, el mural de Arnaldo Coen tiene la intención de representar todo aquello que circula en la casa fundada en 1775, con un concepto que se enfoca a expresar un movimiento omnipresente a partir de las fugas que componen la obra.

Aunque tiene un significado muy profundo para el artista, Arnaldo asegura que la interpretación puede ser muy personal y abierta, aunque varias pistas del mensaje se encuentran expresadas en este trabajo.

Un punto clave de la inspiración para Mutua presencia de tiempos eternos es el edificio donde fue realizado, que se construyó sobre las ruinas del palacio de Axayácatl, Huey Tlatoani, que dio asilo a Hernán Cortés tras su llegada a Tenochtitlán. Para el artista, fue en este punto donde comenzó la mezcla cultural entre mexicas y españoles, uno de los aspectos relativamente positivos de la Conquista.

El mural de Arnaldo Coen, Mutua presencia de tiempos eternos, está presente en las instalaciones de Nacional Monte de Piedad, Casa Abierta Monte, un espacio cultural que, como lo dice su nombre, está abierto a todo público y se ubica en la Calle Monte de Piedad #7, dentro del Zócalo Capitalino.

*Con información de Nacional Monte de Piedad.

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Pedro Friedeberg (Florencia, 1936 - 2026) es artista de la arquitectura fantástica, gracias a su formación como arquitecto, ha encontrado en este género su espacio creativo. Este género que permite proyectar espacios imaginados y formas imposibles, acude a lo onírico y fantasioso.
Así, el artista afincado en México desde los 3 años; en sus obras recrea lugares deshabitados en los que recupera este concepto que ha sido también usado por la literatura para ambientar escenarios poéticos. La arquitectura en la obra de Pedro consiste en composiciones geométricas donde integra elementos simbólicos y mágicos que pertenecen a su imaginario.

Friedeberg dibuja cada día un pedazo de papel y crea libros completamente hechos por él, con dibujos y recortes: en su propio lenguaje. Estas obras recuerdan alguna obra clásica, una vieja creencia o la imaginación de un futuro posible. Todo dentro de los recuerdos de su extraordinaria memoria y amplísima cultura.

Conocido por su silla de mano, Pedro Friedeberg, el invitado especial en la próxima Feria de Arte Bada, oculta la sensibilidad que sus vivaces ojos reflejan, en su sentido del humor. Habla en broma para no dejar asomar los resquicios de su profunda e intensa vida.

El autor es actualmente el favorito de los coleccionistas jóvenes y eso que es un hombre en la octava década de su vida, sin embargo, parece que es ahora, su mejor momento como artista.

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Pedro llegó a México a los 3 años, cuándo su madre decidió huir de la guerra y aventurarse con su pequeño niño, para salvar la vida. Ambos, provenientes de Florencia, a donde habían ido cuando las cosas se pusieron complicadas en Alemania por el avance de la guerra, embarcaron a México con ayuda de su padre adoptivo, que ya vivía aquí y quién le dio el apellido con el que actualmente firma sus codiciadas obras de arte: Friedeberg.

En México, Pedro se empapó de las curiosas costumbres mexicanas. También de la corriente del surrealismo, en su época de ebullición y de ella aprendió que el arte debe ser convulso o que no sea.

Su estudio ubicado en la Ciudad de México es una cueva de tesoros, uno tras otro. Como un inmenso e infinito gabinete de curiosidades. Juguetes antiguos, pájaros disecados, vueltos mecánicos que cantan al accionar una palanca; sillones con patas de piececitos y respaldos con cientos de manos, pequeñas piezas de porcelana y espejos infinitos. Figuras religiosas intervenidas y miles de libros. En medio de este universo fantástico Pedro Friedeberg trabaja y recibe a sus visitas con las que habla con paciencia, mientras dibuja.

Kristina Velfu (KV): ¿De qué se trata su trabajo visual?
Pedro Friedeberg (PF): Son escenografías fantásticas. Como de óperas del siglo XVIII, como de la Flauta Mágica o la Novia Vendida. Mucha fantasía y bastante simetría.

KV: ¿Cuál es la historia de la Manosilla?
PF: La hice en los 60 y primero no les gustaba, luego si y luego no. Así las obras sobreviven al tiempo. La mano -silla fue una exploración del mobiliario anti-funcional.

KV: ¿Cómo se describe a usted mismo?
PF: Yo soy Pedro Friedeberg un disque pintor, que nací en Italia, pero llevo más años en México. Soy arquitecto de la arquitectura fantástica

KV: ¿Qué es lo que más le gusta de México?
PF.- La corrupción y la comida. La idea de la corrupción. Es como un cuento inacabado, es como un cuento de terror, como los de Edgar Allan Poe. A mi me encantan los cuentos de terror y los grabados de Posada.

KV: ¿Cuál es su rutina diaria?
PF.- Mi rutina diaria es dormir muy mal. Despierto a las 7:00 am dibujo un ratito. Me duermo un poco más y luego me despiertan mis gatos.
Todos los días son iguales pero distintos. No tengo rutina…
Me gusta trabajar todo el día. Mi trabajo es muy mecánico, de arquitecto.
Al final soy arquitecto. Yo me eduqué como arquitecto.

KV: Si usted no fuera artista ¿Qué sería?
PF.-No me concibo como otra cosa… Aunque me encantaría ser gigoló.

KV: ¿Qué es lo que más le gusta de la vida?
PF.- La vida en sí. La vida con salud.

KV: ¿Qué le gustaría hacer que todavía no ha hecho?
PF.- Publicar un libro. Ya lo tengo hecho. Trata de todo y de nada. Sólo pinturas. Tiene agujeros y cartas del tarot.
Es un libro que llevo 10 años pintándolo. Tiene juegos de cartas, juegos de perspectivas. Las 8 maravillas del mundo. El coloso de rodas…Muy fatuo pero muy interesante.
Ojalá que alguien que lea tu entrevista decida editar estas 250 páginas.

KV: ¿Es usted un coleccionista?
PF.- Soy un acumulador. Soy un juntador:Soy como la basura. La basura de cosas chistosas y únicas. Me gusta todo lo que parece algo, y al final es otra cosa.

KV: ¿El humor es importante?
PF.- No hay otra cosa. Lo solemne es aburrido

KV: ¿Cuál es su comida favorita?
PF.- Los cinco moles mexicanos. Me gustan principalmente por el sabor, pero también por la textura.
Eso sí deben ir acompañados por mezcal o tequila.

KV: ¿Qué es la felicidad?
PF.- Estar en la gracia de Dios. Sentir que uno está bien con la mayoría de la gente, y sentir que uno no se está aprovechando demasiado de los demás y los demás no se están aprovechando de uno.

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KV: ¿Qué es el éxito?
PF.- El éxito no existe. Yo he visto tanta gente que tuvo éxito muy poco tiempo y ya nadie se acuerda de ellos. Yo creo que yo no he llegado a ser exitoso porque no saben pronunciar mi nombre, como que da miedo un nombre extranjero.
El éxito es algo efímero

KV: ¿Qué es la belleza?
PF.- La belleza debe ser convulsiva o si no, no es...

KV: ¿Y el arte?
PF.- Mi vida

El criterio de Pedro Friedeberg para hacer amigos es su capacidad de divertirlo. Así su vida es como su estudio, una cajita de curiosidades. Sin confesiones tácitas pero llena de creatividad e invenciones.

La fantasía y el conocimiento mezclados son la materia prima de su investigación. El asombro y mantenerse fiel a su propia personalidad y aficiones.

Pedro Friedeberg hoy es baluarte del pensamiento contemporáneo, que es creativo, flexible y compatible a su estética.

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Ángela Gurría podrá ser una artista cuyo nombre quizás no sea tan conocido, pero no queda duda que por lo menos una vez has visto alguna de sus esculturas sin necesariamente saber su autoría. No obstante, Gurría ocupa un lugar muy merecido y que requiere de mayor reconocimiento en la historia del arte mexicano, pues ella fue una mujer que rompió esquemas y empezó a abrir camino en el ámbito artístico.

Por lo general al hablar de Gurría se habla de su inicio autodidacta, pero también de los maestros que tuvo como Germán Cueto, Mario Zamora y Abraham González; pero quizás también sea importante ubicar a la artista en un momento cultural muy prolífico en el que está claro que el círculo cultural mexicano tenía muchos nexos. Por ejemplo, Ángela fue amiga de Juan O’Gorman , quien hizo un retrato –que por cierto, puedes ver en la exposición– y a su vez él tuvo en su casa de San Jerónimo la pieza “Espejo en el tiempo” –también en la muestra–, o entre las anécdotas de su vida, Ángela por un momento quiso dedicarse a la dramaturgia, pero Rodolfo Usigli le recomendó mejor ser actriz… un camino que evidentemente no tomaría.

Si hablamos de logros y reconocimientos, Ángela Gurría fue la primera mujer en ser miembro de la Academia de Artes de México (esto en 1973), también fue reconocida con el Premio Nacional de las Artes (en 2013). Muchos años antes, en 1967, también obtuvo el primer lugar en “Escultura integrada a la Arquitectura” de la III Bienal de Escultura en México por la “Puerta Celosía” que se encuentra en la Fábrica de Billetes del Banco de México, y cuyo modelo se encuentra en la exposición.

Estos no son sus únicos reconocimientos, pero también es posible hablar de otros logros, como que Gurría junto a Helen Escobedo son las únicas mujeres escultoras que realizaron obras para la Ruta de la Amistad, el corredor escultórico creado durante las Olimpiadas del 68.

Ahora, a más de un año de su fallecimiento, el Museo del Palacio de Bellas Artes pone a Ángela Gurría al frente de su programación con la exposición Ángela Gurría. Señales, un homenaje nacional a una de las escultoras más importantes del país y que definió la escultura moderna en México.

De acuerdo con Joshua Sánchez, curador de la muestra y también curador en jefe del Museo, organizar esta exposición tomó cerca de dos años de esfuerzos de investigación, restauración y conservación, así como la logística tanto de la disponibilidad y préstamo de las piezas que se busca mostrar. como el montaje propio de la muestra.

En ese sentido, esta exposición requirió de la ayuda de diversas instituciones, por ejemplo, destaca la obra “Módulo de vuelo para celosía” de la Colección Espacio Cultural Infonavit, así como muchas otras del INBAL; además de coleccionistas particulares y galerías como la Galería Proyectos Monclova, pero en particular del propio hijo de Ángela, Emilio Javelly Gurría.

En entrevista, Sánchez nos cuenta que la logística fue uno de los grandes retos detrás de la exposición, pues no es sencillo colocar piezas que pueden pesar cerca de una tonelada en el primer piso de un recinto. Asimismo, es complicado –mas no imposible– crear una exposición de una artista con obras monumentales en un recinto cerrado, no obstante, se presentan 165 piezas de la artista.

Si bien la exposición está dividida en cuatro ejes principales: Cuerpos, Paisajes, Umbrales y El jardín místico. En cada uno de ellos es posible encontrar obras inéditas, como los dibujos en la primera sección de Cuerpos, pero en general estos ejes buscan dar cuenta del proceso creativo de Gurría. En total un 20% de esta exposición contiene obras que no habían sido expuestas.

“Los cuerpos femeninos, la conceptualización del paisaje, el entendimiento y la apropiación del espacio público desde la escultura, las colaboraciones que tuvo y el interés en el mundo natural y espiritual son algunos aspectos abordados en la muestra, además de las preocupaciones ecológicas y filosóficas plasmadas en Gurría”.

Joshua Sánchez explica que los temas principales en la obra de Ángela Gurría son la dualidad, el ritmo, la espiral y la mariposa como un tema y como un sistema plástico. Además, suma la monumentalidad no necesariamente como un tema, pero sí como un componente propio de sus obras.

La mariposa en el arte (sea pictórico o hasta en la literatura misma) ha tenido un significado casi que universal. Suele entenderse como símbolo de la transformación y la evolución, sin embargo, Sanchez explica que quizás en la obra de Gurría no es necesariamente así:

En pocas palabras… Señales que por cierto es el título de la escultura de Gurría para la Ruta de la Amistad, es la oportunidad perfecta para que más personas puedan conocer a Gurría y el impacto que ésta tuvo en la escultura en México, pero también de sus intereses (como el mundo natural o sus preocupaciones ecológicas) y el gran legado que la maestra nos dejó.

Visita Angela Gurría. Señales del 12 de septiembre de 2024 al 12 de enero de 2025 en el Museo del Palacio de Bellas Artes.

Dirección: Av. Juárez s/n esq. Eje Central Lázaro Cárdenas, Col. Centro, Alcaldía Cuauhtémoc, C. P. 06050, Ciudad de México, México.

Horario: martes a domingo de 10 am a 6 pm.

Entrada: 90 pesos mexicanos por persona; entrada libre los domingos al público en general; docentes y estudiantes con credencial vigente entran gratis.

Permiso de fotografía y video: 30 pesos mexicanos.

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José María Velasco es reconocido como el mayor exponente del paisajismo mexicano del siglo XIX. En la actualidad, ¿cuánto vale un cuadro del artista mexiquense cuya obra fue declarada Monumento Histórico en 1943?

Este 2024 se cumplen 184 años del nacimiento de José María Velasco y Gómez-Obregón, originario de Temascalcingo, Estado de México, nació un 6 de julio de 1840.

La obra pictórica de Velasco celebra la riqueza natural de México. Un visionario para su época, José María Velasco plasmó en sus óleos, acuarelas y dibujos el proceso de transformación de las zonas urbanas y rurales del país.

Con sus trazos y pinceladas capturó entre los siglos XIX y XX, lugares simbólicos como el Cerro de Guadalupe, el Valle de México, San Ángel, la Alameda, y más.

El legado del artista mexiquense no se limita solo al género del paisaje, también toma las ciencias naturales y sociales. Creó una serie de estampas sobre la evolución de la flora y fauna terrestre y marina, convirtiéndolas en una fuente de estudio de la ciencia en México.

Debido al gran valor artístico de los óleos de José María Velasco, el 8 de enero de 1943 se publicó en el Diario Oficial un decreto en el que se menciona la categoría de Monumentos históricos a toda clase de obras plásticas del artista, una condecoración otorgada por la Comisión de Monumentos del INAH.

De acuerdo con Artprice.com , un sitio que recopila más de 30 millones de resultados sobre subastas, índices y análisis econométricos de 7200 casas de subastas de todo el mundo, los cuadros y dibujos de José María Velasco se subastan principalmente en Estados Unidos.

La subasta más antigua listada en Artprice es la obra: Paisaje con burro, presentada en 1985 en Christie's y la más reciente es el óleo: Valle de México desde el Tepeyac, presentada en 2024 en Morton Subastas en México .

En esta última subasta que se llevó a cabo en abril, el cuadro Valle de México desde el Tepeyac fue presentada con un valor estimado de entre los $4,400,000 a los $5,000,000. La pieza no fue vendida.

Otra pieza que fue presentada en la misma subasta llamada “Territorio y presencia. Paisajes y retrato en pinceles de dos continentes”, fue: Castillo de Chapultepec. Un óleo realizado por José María Velasco en 1888 que salió a la venta con un valor estimado entre $3,850,000 y $5,000,000. El cuadro de Velasco fue vendido en $3,300,000 pesos mexicanos.

En febrero de este mismo año se llevó a cabo otra subasta en el que se presentó un óleo sobre tarjeta postal de cartoncillo llamada Paisaje, con un valor estimado de $180,000 a $250,000. El óleo de José María Velasco fue vendido en $160,000 pesos mexicanos.

La venta de las obras Castillo de Chapultepec y Paisaje son las últimas en haber sido vendidas.

Se estima que durante 44 años, el artista mexiquense creó cerca de 300 pinturas al óleo, además de acuarelas, litografías y pinturas en miniatura.

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Damian Ortega es actualmente uno de los artistas mexicanos contemporáneos más representativos. Si bien su carrera comenzó como caricaturista político, su arte se transformó en las últimas décadas dando como resultado obras escultóricas e instalaciones de gran impacto, y en general una muestra de la maestría de Ortega para intervenir un objeto y darle un nuevo significado.

Después de su paso por el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (Marco), más de 80 obras de Ortega ahora se muestran en el Museo del Palacio de Bellas Artes, un hito en la trayectoria de cualquier artista mexicano. Además, se incluyen obras inéditas y algunas otras que quienes asistieron a Zona Maco 2024 reconocerán como Utopía mexicana II, III, I, que son uniformes inspirados en los trabajadores rusos de la década de 1920 hechos con recortes de papel Kraft y bolsas de cemento de la Cooperativa La Cruz Azul.

La exposición Damián Ortega: Pico y elote, fue curada por José Esparza Chong Cuy, director ejecutivo y comisario jefe del Storefront for Art and Architecture en Nueva York. ¿El objetivo? Mostrar una mirada irónica sobre las condiciones de producción y consumo de las que somos partícipes, así, en sus obras se pueden yuxtaponer elementos que responden a herramientas de trabajo, así como todo lo orgánico y el mundo natural. Asimismo, durante el recorrido en sala hay algo innegable, la cultura mexicana y cómo ésta se circunscribe en la vida diaria hasta llegar a su representación en el arte.

Damián Ortega comenta que para él Pico y Elote ha sido una buena experiencia, en la que como si fuese una reacción en cadena se dieron condiciones que la hicieron posible, empezando por la invitación para realizar la exposición en el Marco, hasta un equipo o un presupuesto para traer sus obras o rehacer otras tantas.

Ortega comenta que la idea de Pico y Elote es de José Esparza. Quien creó una clasificación de un corpus tan amplio de obras. La clasificación se divide entre lo que corresponde al trabajo y las herramientas para éste, y el mundo natural, lo orgánico. Así, la exposición pretende ver cómo se vinculan.

Esto tan sólo da cuenta del trabajo en conjunto que se dio entre Esparza y Ortega. ¿El resultado? Una muestra cohesiva que lejos de intentar ordenar las obras del artista de forma cronológica, en realidad tiende puentes entre creaciones de diferentes épocas.

Al preguntarle cómo fue el trabajo con el curador y cómo es crear un discurso que comulgue entre la visión artística de Ortega y el trabajo curatorial, él explica:

Él explica que una lectura fresca puede transformar y recomponer las obras. Del mismo modo, la complicidad que hubo ayudó a que por ejemplo, Ortega sugiriera la inclusión de piezas para complementar las ideas, dando como resultado una relación muy creativa.

La diversidad de lecturas e ideas sin duda alguna se relaciona con el sentimiento del artista de tener una muestra en el Museo del Palacio de Bellas Artes. Para cualquier capitalino como Ortega, este lugar de una u otra forma está inscrito en nuestras vidas.

Además, cuenta que durante el montaje buscó formas de llegar con facilidad, por lo que a diario llegaba desde el metro Hidalgo y cruzaba la Alameda Central caminando. Relata escenas diarias que a veces se difuminan en la rutina, entre marchas, gente bailando, personas en situación de calle, vendedores… en pocas palabras, una muestra de la cultura que nos rodea.

De tal forma, una de las piezas más prominentes de Damián Ortega hoy se exhibe en los pasillos del Palacio de Bellas Artes, como si se tratara de uno de los murales tan emblemáticos del Museo. Hablamos pues de Objeto Cósmico, un “bocho” (sedán Volkswagen) desensamblado y que está suspendido en el aire. Incluso, para su montaje crearon una estructura a su alrededor para poder suspender las piezas sin modificar o dañar la integridad de este inmueble en cuyas paredes está inscrita esa cultura e historia de la que Ortega hablaba.

Parece relativamente fácil relacionar las obras de Ortega con el muralismo, que es la corriente estética mexicana con mayor trascendencia internacional… mientras que la obra de Damián también le ha dado la vuelta al mundo.

Ante la pregunta de la relación entre su expresión creativa y el muralismo, él explica que para él tanto la caricatura y el muralismo eran referentes incluso cuando era estudiante, y que entre ambos ve un vínculo directo: “grandes monigotes caricaturizados, la burguesía ridiculizada”, pero por sobretodo lo ve en relación con la arquitectura y el arte público.

Asimismo, el muralismo y su arte tienen que ver con el uso de la arquitectura y también del arte público, en sus palabras, de un “arte expandido”, que se vuelve algo cultural y político.

La relación entre las obras de Ortega y el muralismo no sólo están en estos símiles, sino también en juegos con los títulos de sus obras que remiten a murales. Por ejemplo, El hombre controlador del universo de Diego Rivera en el propio Palacio de Bellas Artes y su instalación suspendida Controlador del universo de 2007, que también es una de sus piezas más reconocidas a nivel internacional.

Es así como este emblemático bocho, por mucho tiempo símbolo inequívoco de los taxis en México, pero también de un automóvil que ganó gran popularidad en el país, es la ventana de entrada a Damian Ortega: Pico y Elote, que desde un automóvil, pasando por una colección de máscaras o por ejemplo Cosecha, una estructura de varillas de acero cuya sombra muestra un abecedario en la caligrafía de su madre, desmembra las nociones del trabajo y la cultura mexicanas.

No dejes de visitar la exposición Damián Ortega: Pico y elote del 10 de abril al 28 de julio, de martes a domingo entre 10 am y 6 pm. Recuerda que los domingos hay entrada libre al Museo.

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La creatividad, el valor, la templanza, la rebeldía y el amor por su trabajo, son los elementos que comparten las mujeres más influyentes en el ecosistema del arte en México. Ellas demuestran que gran parte del rumbo que toman los mercados y manifestaciones artísticas, su difusión, conservación y legado tiene que ver con el trabajo estratégico de mujeres brillantes, persistentes, preparadas y audaces que han logrado llegar a posiciones directivas y de decisión en el ámbito de la cultura.

No es cosa menor, si reconocemos al conocimiento y el arte como herramienta de transformación social, pues a través de las artes visuales, podemos visibilizar los desafíos que enfrentamos y vislumbrar los objetivos de una sociedad más pacífica, con mayor equidad de género.

La experiencia de estas 10 mujeres influyentes en el arte demuestra que no existe una sola manera de sortear los obstáculos y tampoco una receta única para incorporarse a las filas de los sitios que han sido tradicionalmente ocupados por los hombres. Sin embargo, coinciden en que ellas han llegado hasta allí gracias al apoyo de otras mujeres que las precedieron. También su enorme entrega a su profesión. El compromiso trascendental con el arte y sus discursos, y el pensamiento divergente que les hizo buscar soluciones distintas para cada proyecto. La dedicación y la perseverancia.

Hoy por hoy la gestión y dirección del arte visual está en manos de mujeres. Con ello reconocen sus logros, pero también las tareas pendientes de señalar roles impuestos, desigualdad salarial, segregación por género y abrir la puerta a las mujeres artistas, tanto en colecciones privadas como de museos; así como en los espacios expositivos, publicaciones y ferias.

El trayecto no ha sido fácil. Implica la renuncia a horas de sueño, la postergación de la maternidad, una constante demanda de demostrar sus competencias y la rebeldía ante un sistema que no les ha favorecido.

Se les ve realizadas. Autodeterminadas e independientes. Con una voz propia y la determinación de estar en el camino correcto.

El camino del arte es el camino de la creatividad. Por ello es la forma divergente de ver al mundo y su belleza lo que las ha llevado hasta donde están.

Originaria de Guadalajara, descubrió la cultura y las artes, gracias a un profesor de preparatoria que les llevó a conocer a los wixárika donde decidió trabajar con bienes simbólicos y estudiar restauración. A partir de allí su sobresaliente trayectoria le ha llevado a trabajar con comunidades mayas en Yucatán, ser secretaria de cultura en el gobierno de Jalisco, participar en la restauración del retablo principal de la Catedral Metropolitana en la Ciudad de México y actualmente estar al frente del Museo Franz Mayer, donde busca que sea un museo sostenible y pueda itinerar con mayor frecuencia las exposiciones importantes.

Kristina Velfu (KV): ¿Crees que tu éxito profesional ha tenido un precio?

Giovana Jaspersen (GJ): Creo que todo tiene un precio. Los roles o los sitios que he tenido que tomar en mi carrera siempre han tenido un precio. Un precio de determinada exposición de construcción social. Es decir cambia cómo construyes tu vida, ya que es muy distinta la vida de alguien que está expuesto a nivel social y se le tienen expectativas de su actuar todo el tiempo. Es un precio que volvería a pagar mil veces, no puedo imaginar mi vida de otra forma.

¡Lo volvería a hacer!

KV: ¿Cómo lo lograste?

GJ: Cada vez creo menos en los roles impuestos sobre cómo se supone que se debe dirigir. Lo importante es la libertad creativa. La creatividad es la herramienta más necesaria.

Hay que hacer las cosas de manera distinta. Pienso que hay una deconstrucción del poder que sólo se puede hacer desde la mirada de las mujeres. El trabajo no es de un día al año. El ritual del 8M es importante pero hay que trabajar todos los días.

A punto de abordar un vuelo a Madrid para presenciar la Feria de Arte ARCO, Ana Castella tiene agendada su vida minuto a minuto. Trabaja de manera puntual y en constante reflexión de cada uno de sus movimientos y espacios habitados. Tal y como se puede ver en la feria de arte ACME, rompe las nociones típicas del arte con la intervención de un espacio tan original como la casona de Proyectos Públicos de General Prim, con sus muros decadentes y rodeado de plantas donde los artistas emergentes y de mediana carrera ponen a la venta sus obras.

Ana tampoco llegó al mundo del arte de manera tradicional. Sin embargo, su formación en hospitalidad y turismo le han dado ideas de nuevas posibilidades de generar públicos y experiencias originales y exitosas.

Además de ACME, asesora a galerías y publicaciones sobre la escena del arte en América Latina. Reconoce que es posible vivir del arte, pero es necesario tener más de un trabajo. “Es viable y factible vivir del arte, pero los trabajadores del arte y la cultura necesitamos más de un trabajo, porque además tenemos muchos talentos qué ofrecer, no son de los que se aprenden en lo académico”.

KV: ¿El hecho de ser mujer ha condicionado tu labor profesional?

Ana Castella (AC): Sí, definitivamente. Reconozco que vivimos en una sociedad que no nos favorece. Pero hay mujeres ejemplo que demuestran que se puede dirigir galerías o ferias, ser artista y hacerlo muy bien.

KV: ¿Cuáles consideras que son los desafíos que como mujer has tenido que enfrentar en tu labor?

AC: Los desafíos como mujer para mí van ligados a expectativas sociales y profesionales ligadas a los roles de género. La sociedad ha esperado de nosotras cumplir muchísimas funciones, algunas de ellas, no reconocidas como las labores de cuidado.

De hecho para mí el arte y la práctica curatorial la considero una herramienta para desaprender, para formar una red de cuidados y de colaboración mutua. Considero que el tema de la hospitalidad es una forma de maternar y cuidar de los públicos y sus necesidades.

Patricia Conde es conocida como la persona más influyente en el medio del coleccionismo de fotografía. Su galería expone y comercializa fotografía mexicana en blanco y negro. Es la referencia más conocida en el extranjero en lo que respecta a la imagen fija.

Es una gran lectora, intelectual y escritora. Una mujer sensible que considera que la clave ha sido olvidar que se es mujer. No pensar en ello y hacer lo que tienes que hacer.

Patricia Conde, no puede narrar su vida sin mencionar a su esposo José Antonio, quien ha pasado 50 años a su lado y con quien ha recorrido todo el mundo promoviendo la fotografía de los artistas mexicanos.

Durante 20 años, Patricia ha representado especialmente artistas mujeres. Ella dice que fue una casualidad pues lo importante es el trabajo conceptual y creativo. El que las obras sean poéticas, para que sean arte.

KV: ¿Qué buscas en un fotógrafo?

Patricia Conde (PC): La originalidad y el que encuentre su propia voz. Vender arte es una labor complicada pero hermosa.

KV: ¿Cuál ha sido tu principal desafío como mujer?

PC: Nunca, nunca lo he pensado. Sólo he hecho lo que he tenido que hacer, y sé bien lo que quiero. También sé defenderme cuando lo necesito. El arte debe ser reconocido sin importar quien eres o cuál es tu género. No creo que sea importante si eres hombre o mujer.

El principal motor de estas mujeres dedicadas al artes y sus procesos es el amor a lo que hacen y la determinación de llegar a sus objetivos. Es su labor lo que le da sentido a sus vidas y están dispuestas a entregarse sin medida a sus objetivos.

Con una voz llena de autoridad y claridad, Carla Sodi, nos cuenta que se involucra en todos los procesos operativos de la Fundación Casa Wabi y se preocupa por formar parte de un proyecto en común y no sólo dirigirlo.

Reconoce que la cultura y el arte en su familia era un tema principal de su dinámica:

Fundación Casa Wabi es una Asociación Civil sin fines de lucro que fomenta un intercambio entre el arte contemporáneo y las comunidades locales en tres sedes: Puerto Escondido, Ciudad de México y Tokio.

El nombre de la fundación contiene su filosofía pues Wabi-Sabi en japonés significa la búsqueda de la belleza y la armonía en lo simple, lo imperfecto, y lo poco convencional. Su misión se enfoca en forjar un desarrollo social a través de las artes y sus programas de residencias, exhibiciones, barro, cine y la biblioteca móvil.

Carla interviene en la programación, decisiones estratégicas y evaluaciones de resultados de la fundación.

KV: ¿Qué significa para ti tu trabajo?

Carla Sodi: Siempre me preguntan cuál es el principal beneficiario de la fundación y digo que yo. Mi trabajo me ha enriquecido muchísimo como ser humano. Creo que consolidar, reflexionar y mejorar es parte de lo hacemos mi equipo y yo, día con día en esta labor.

Sol Henaro es activista de las políticas de la memoria y una mujer proactiva y positiva. Tiene como filosofía de vida ver el área de oportunidad y de disfrute en cada cosa que emprende. Su preparación y experiencia con archivos documentales y arte contemporáneo le han llevado a la posición en la que está, a cargo del Museo del Chopo, perteneciente a la Universidad Nacional Autónoma de México.

Ha sido curadora e investigadora en torno a la historia del arte contemporáneo en nuestro país. Para ella el papel de la mujer es fundamental en la práctica artística, su gestión y producción.

KV: ¿Consideras que ha habido avances en la participación de la mujer en la cultura en México?

Sol Henaro (SH): Creo que las mujeres hemos tenido un lugar muy importante en la conformación de la cultura. Por mucho tiempo eran –los directores de los museos– pero actualmente la balanza se inclina a que las mujeres seamos las que dirigimos los espacios. Museos y galerías.

Sin embargo, constantemente tenemos que sortear la falocracia en negociaciones con ciertos sectores frente a los cuales ser mujer y ser autoridad les hace mucho ruido.

KV: ¿Tu éxito profesional ha condicionado tu vida personal?

SH: Mi vida laboral es mi vida privada. Lo considero como un todo. Reparto el deber y el deseo lo más equilibrado que puedo, pero construyó afectos en mi día a día.

Me encanta mi trabajo, de hecho mi trabajo me vertebra mucho. No es un trabajo que no solamente resuelve el insumo económico, sino que me resuelve a mí y mi lugar en el mundo. Pero para que esto sea posible me hago pedacitos. Tengo una hija y para poder darle tiempo de calidad procuro iniciar el día muy temprano, programar mails y planear la logística para que podamos compartir nuestra vida y buscar resolver estar al cien por ciento como mamá. Cuando mi hija se duerme saco la compu para trabajar.

Me cuestiono esta parte de trabajar para pagar que otra persona cuide a nuestros hijes. Requerimos generar ciertas garantías para que no se nos haga tan pesado las labores de cuidado.

Con su gran personalidad y su diálogo lleno de inteligencia, Adriana Sandoval nos encuentra en la Casa - Estudio Diego Rivera, ubicada en San Ángel y diseñada por Juan O'Gorman, arquitecto al que ha dedicado gran parte de su trabajo como investigadora, lo que la convierte hoy por hoy en la especialista más avezada en la obra del artista.

Actualmente preside la Fundación Espacio Nancarrow – O'Gorman que entre otros objetivos busca conservar y proteger el inmueble diseñado por O'Gorman para el compositor y músico Conlon Nancarrow, ubicado al sur de la Ciudad de México.

La doctora Sandoval como se refieren a ella las personalidades del medio, derivado de sus estudios académicos, no sólo se ha ganado el respeto del gremio, sino también su admiración. No pocas veces se ha manifestado inconforme con políticas obsoletas o prácticas absurdas, que de no ser por personas como ella, seguirían sucediendo sin mayor objeción.

También ofrece conferencias, asesorías e investigación para proyectos nacionales e internacionales en torno al arte plástico y sus manifestaciones.

KV: ¿Cómo has logrado sortear estas dinámicas?

Adriana Sandoval (AS): Para mí ha sido fundamental la perseverancia y la determinación. Habemos muchas mujeres inteligentes, hábiles y calificadas, pero en ocasiones lo que impide que cumplamos nuestros proyectos o lleguemos a posiciones predominantes, es justamente el miedo y el hecho de que no sólo requieres herramientas de carácter profesional, sino resistencia a estos gestos violentos.

Por ello también es importante la valentía. Muchas mujeres en el arte llevan a cabo su proceso profesional como una verdadera lucha para combatir la idea ampliamente divulgada de que las mujeres en el arte somos musas, adornos, floreros e inspiración.

Con valor vamos ganando espacios a base del compromiso y la preparación.

KV: ¿Cómo ha condicionado el ser mujer profesional en tu plenitud como persona?

AS: En el ámbito en que nos movemos es muy masculino, una de las formas de comprobarlo es por ejemplo la maternidad.

La maternidad se nos plantea como un problema. En mi generación, el embarazo se nos presenta como algo aterrador porque implica un desfase respecto de las actividades profesionales. Es un tiempo que uno invierte y que no está considerado en el ámbito laboral.

Esto se sigue viendo como un impedimento que se ignora y que no se toma a discusión de manera proactiva. Esto me parece muy preocupante, pues es una de las decisiones más trascendentales en la vida de una mujer y no necesariamente se decide desde la libertad, sino desde la presión que te obliga a tomar una opción u otra: ser exitosa profesionalmente o tener un hijo.

El silencio fortalece los sistemas opresivos y el arte es un espacio que nos permite conocernos a nosotros mismos y nuestro entorno. Así como la física y la química revelan una realidad, el arte con su propio lenguaje es una manera de ver el mundo. 

La ayuda y reconocimiento de otras mujeres les han llevado a la cima del éxito. Dedicar su labor por el bien social y a su vez ayudar a otras es parte del compromiso de estas mujeres.

Mercedes nos recibe en su casa de San Ángel después de dejar a su hijo en la escuela. En su biblioteca hay numerosos libros sobre museos del mundo, artistas mexicanos y publicaciones sobre México y sus manifestaciones creativas.

Con enorme sensibilidad hace referencia su mentora Marie Thérèse Hermand de Arango, su reciente pérdida y la labor fundamental de la participación de la mujer en el arte popular y también en el círculo de la filantropía.

“Es fundamental la participación y la ayuda que podemos brindarnos unas a otras. Encontrar formas más comprensivas de colaboración profesional con la vida familiar y cuidado de nuestros hijos. En el arte podemos acercarlos a espacios muy amables para su crianza, pero no en todos los ámbitos es así.

El poder encontrarnos como madres profesionistas con compasión y apoyo para mí es fundamental. Cuando tomé la presidencia, estaba embarazada y Marie Thérèse, que no sólo fue mi amiga, sino mi mentora, no vio una mujer embarazada, sino una mujer dispuesta a dar lo mejor de sí para sacar adelante la Asociación.

La coyuntura de su pérdida, cuando tomé la presidencia fue un gran desafío, pues implicó un cambio generacional en medio de un duelo y a su vez empezaba mi rol de madre”.

KV: ¿Cuál es la participación de la mujer en el arte popular?

Mercedes Vigil (MV): Más del 50% de los artesanos en México son mujeres, de hecho las mujeres siempre están involucradas en el arte popular, ya sea porque son ellas mismas las que están realizando el trabajo o apoyando a sus familias.

Su habilidad y su creatividad es reconocida en todo el mundo. Tienen un lugar muy importante. Por eso es fundamental para la Asociación apoyarlas y sentirnos orgullosas de nuestro trabajo.

KV: ¿Cómo podemos fortalecer esa red de apoyo entre mujeres?

MV: Pienso que lo más importante es participar e involucrarnos más en los proyectos de unas con otras. Esto fortalece a los grupos. Aceptar la retroalimentación y formar equipos de trabajo y de apoyo.

Desenfadada, ligera y sonriente, Valentina García Burgos, habla con humor y destreza de los detalles que evidencian las desigualdades de género. Lo primero que nos cuenta en su oficina del Bosque de Chapultepec, en el Museo de Arte Moderno, es que gracias a otras mujeres le han brindado la posibilidad de escalar a puestos directivos.

KV: ¿Crees que hay roles impuestos a las mujeres en la administración de la cultura?

Valentina García Burgos (VG): Sin duda, la gente espera, sin importar qué puesto tengas que seas tú quien lleva la minuta o le recuerde a los demás que va a haber junta. La memoria está asignada a las labores femeninas. Hay roles asociados a lo femenino como hacer la agenda, hacer el excel, recordar las fechas o apuntar. A pesar de mi cargo, los hombres esperan que yo haga el trabajo asociado a estos roles y ellos supervisen.

Es como si a la labor de secretaría ahora le llamaran gestora.

KV: ¿Has notado alguna diferencia en tu carrera por ser mujer?

VG: Claro. Muchas veces gané menos que un hombre en el mismo puesto o actividad. Es real que la brecha salarial existe. Nos pagan menos a las mujeres.

Esto creo que debe resolverse de manera pedagógica. El feminismo es pedagógico.

Para lograrlo es importante darle visibilidad a los pequeños detalles. Por ejemplo, la atención que le damos a una mujer mientras habla es de pocos segundos, sin embargo cuando un hombre habla se le da mucho más tiempo de explicarse. Nosotras tenemos que abreviar y decirlo todo pronto para que no se dispersen los demás. Hagan el ejercicio y se darán cuenta.

Hacer notar estas pequeñas dinámicas es la forma de llevar a cabo la transformación que queremos. El humor es una buena herramienta para esto.

Afortunadamente cada vez hay más visibilidad de la mujer como gestoras, administradoras y artistas. Pero necesitamos exigir cuota de género en las programaciones de los museos y darles el mismo espacio expositivo a ellas que a ellos. Fíjate bien verás que de pronto se le otorgan las salas pequeñas de los museos a las mujeres.

Necesitamos exigir igualdad.

Como madres y gestoras culturales son ejemplo de que se puede todo si se cuenta con una red de apoyo, compromiso con el ejercicio profesional y preparación.

Andrea Bustillos ha llevado la mitad de su carrera en España donde estudió Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid. En México ha participado en la curaduría de exposiciones en el Museo Nacional de San Carlos y galerías como Karen Uber. Es parte del equipo de mentorías de los proyectos de la feria de Arte Material.

Su espacio combina armónicamente obras de arte con dibujos enmarcados hechos por su hija. Entre libros de crianza feministas y catálogos de exposiciones nos cuenta que su principal reto como mujer ha sido la maternidad “Este medio del arte requiere mucha socialización. Ir a inauguraciones, cocteles y ferias. Visitar estudios, encuentros con otros agentes del ecosistema, entre muchos otros compromisos que requieren tu presencia. Esto no es fácil de compaginar con las labores de madre. Yo lo he logrado gracias a una red de apoyo en los cuidados, pues sería imposible continuar si no existiera quien cuide a mi hija”.

KV: ¿Cuál crees que sea la deuda histórica con las mujeres en el arte?

Andrea Bustillos (AB): Definitivamente contemplar obras de mujeres en las colecciones de museos y en las colecciones privadas. Abrir paso a las artistas se lo debemos a la historia del arte. Creo que cada vez hay más apertura y con el tiempo se irá acortando esta brecha, pero es innegable que por siglos no se consideró la obra de las mujeres como arte.

Heredera de un legado artístico y cultural de incalculable valor, Renata Blaisten es la actual curadora y encargada de proyectos la Colección Andrés Blaistein.

Esta colección es considerada como la colección privada más importante de arte mexicano en todo el mundo. Inició su formación en 1978. A través del tiempo, ha sido reconocida tanto en México como en el extranjero por su meticulosa selección de artistas y obras que obedecen a la excelencia conceptual y de ejecución. El resultado ha dado un nuevo enfoque más comprensible de lo que es el arte de México.

Está compuesta por más de 12 mil pinturas, esculturas, obra gráfica y fotográfica de más de 800 artistas, las cuales van desde pintura colonial hasta el siglo XXI, siendo obras de la primera mitad del siglo XX su núcleo más representativo.

Todo este acervo es administrado y difundido bajo la dirección de Renata quien facilita las condiciones para que parte de sus obras se exponen este año y el próximo en la Casa de México en España y en la embajada de México en Polonia. Agentes como ella permiten que la potente cultura de nuestro país sea conocida en todo el mundo.

Actualmente una de sus exposiciones como curadora está en el Museo Nacional de Arte donde se exhiben más de 70 piezas de la obra del artista Rodrigo Pimentel.

KV: ¿Crees que en el ecosistema del arte la mujer ha ganado terreno?

Renta Blaistein (RB): Sin duda alguna. Hasta hace muy poco era un mundo de hombres. Ahora hay más curadoras, directoras de museos y agentes femeninas.

Creo que la mirada de la mujer es fundamental. Aunque también pienso que en el arte hay hombres muy valiosos cuyos trabajos son muy interesantes, pero yo creo que son diferentes las visiones de un hombre a las de una mujer, entonces los dos puntos de vista en equilibrio es lo que nos enriquece.

No vemos el mundo igual hombres y mujeres, por lo que los diferentes puntos de vista nos permiten reconocer formas de ver el mundo.

KV: ¿Qué ha sido lo más difícil que has tenido que enfrentar como mujer?

RB: Poder organizar mi tiempo como madre y gestora cultural. Esto creo que es un reto que enfrentamos las mujeres en general, no sólo las que nos dedicamos al arte. Incluso creo que en el arte tenemos la ventaja de que los horarios nos permiten una mayor libertad para atender a la familia, aún así no ha sido fácil.

De acuerdo al INEGI el trabajo es una fuente de dignidad personal, desarrollo, estabilidad y amor a la vida. Esto genera paz en la comunidad, que aumenta las oportunidades de trabajo productivo y el desarrollo en la sociedad.

El trabajo femenino, en el mercado económico, contribuye a la igualdad de género, la erradicación de la pobreza y el crecimiento económico inclusivo, pues las mujeres contribuyen de manera muy significativa en la generación de riqueza cultural y económica.

El ejemplo de vida de esta mujeres influyentes nos muestra que hay un ingrediente de pasión por su trabajo, compromiso, decisión, valor, rebeldía y una forma muy positiva de luchar por abrirse paso en las esferas más altas de la generación de conocimiento y cultura.

*Kristina Velfu es periodista cultural, especializada en el mercado y difusión del arte y la cultura.  @Velfu

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