Utilizar azúcar en el arte contemporáneo implica trabajar con un material que se destruye a sí mismo.
Artistas de todo el mundo aprovechan su fragilidad y su tacto para construir instalaciones donde la permanencia es imposible; la obra se desmorona, se disuelve, se consume o se desdibuja con el paso de los espectadores y el clima.
Artistas de la memoria colonial, raza e historia azucarera
Kara Walker
Sugar Rush: 15 joyas que llevaron los dulces al glamour
Obra clave: A Subtlety, or the Marvelous Sugar Baby (2014).
Materiales: más de 80 toneladas de azúcar refinada sobre poliestireno, esculturas de resina de azúcar en tonos melaza
Exhibiciones: la refinería abandonada Domino Sugar Factory en Brooklyn, Nueva York (presentada por Creative Time)
Fue un fenómeno cultural masivo y divisivo. La crítica de The New York Times y Los Angeles Review of Books la aclamó como una obra maestra monumental sobre el racismo estructural y la explotación colonial. Sin embargo, generó controversia por el comportamiento del público, que se tomaba selfies irrespetuosas frente a la esfinge, abriendo un debate nacional sobre la empatía en el arte público.
Shelley Miller
Obra clave: serie de intervenciones urbanas Sugar Murals (como Stained, 2011).
Materiales: glaseado de azúcar, royal icing y azulejos de pasta de azúcar
Exhibiciones: espacios públicos e históricos en ciudades como Montreal, Quebec y Victoria (Canadá), instalaciones en Brasil
La crítica celebra su propuesta de arte urbano y sostenibilidad así como su enfoque poético y “efímero”. La prensa especializada (como Grist) habló de la ironía de usar la belleza del azúcar para visibilizar el pasado oscuro del comercio transatlántico de esclavos. La disolución progresiva de los murales ante la lluvia se interpretó como una metáfora visual “conmovedora”.
Zineb Sedira
Obra clave: Serie Sugar Routes (2013-2014)
Materiales: azúcar de caña, fotografías y moldes de azúcar
Exhibiciones: Open Eye Gallery (en la Bienal de Liverpool), la galería The Third Line (Dubái) y el Jeu de Paume (París)
La crítica internacional aplaudió su concepto. Destacaron la transformación de un insumo de consumo masivo como el azúcar en una cartografía de las rutas marítimas globales para hablar del tráfico de mercancías con los flujos migratorios y el colonialismo.
Artistas del duelo, ausencia y memoria afectiva
Félix González-Torres
Obras claves: Untitled (Portrait of Ross in L.A.) y Untitled (Placebo) (1991).
Materiales: caramelos multicolor
Exhibiciones: galería Luhring Augustine Hetzler (Los Ángeles), Art Institute of Chicago, el SFMOMA y el Brooklyn Museum
Se consideró una de las intervenciones más conmovedoras e importantes de la historia del arte contemporáneo. La crítica elogió la capacidad de González-Torres para reinventar el minimalismo mediante la participación del público. El acto de tomar un caramelo no solo destruye y reconstruye la obra, también es una metáfora de la pérdida causada por la crisis del VIH/SIDA.
Artistas del deseo, cuerpo e hiperconsumismo
Joseph Marr
El beneficio médico oculto del racionamiento de azúcar en la Segunda Guerra Mundial
Obra clave: Together (2013) y Open Heart (2024)
Materiales: azúcar isomalta teñida y derretida
Exhibiciones: club nocturno Berghain en Berlín, la exposición Studio Berlin (en colaboración con la Colección Boros) y el Stedelijk Museum Schiedam (Holanda)
La obra deslumbró por la carga sensorial e hiperrealista de su trabajo. Su instalación permanente en Berghain fascinó al público por unir la fragilidad del azúcar fundido con la cultura del deseo y la noche. Sin embargo, causó revuelo cuando se descubrió que los asistentes intentaban lamer la escultura, un fenómeno involuntario de interacción que el artista terminó integrando al discurso de la obra.
Jennifer Rubell
Obra clave: Padded Cell (2010)
Materiales: 1,600 conos de algodón de azúcar rosado y estructura de madera
Exhibiciones: presentada durante la gala anual de Performa Arts (el Red Party) en Nueva York
Tuvo una recepción mediática masiva. Los críticos de arte e interiorismo la describieron como una “habitación sacada de Willy Wonka pero cargada de claustrofobia”. Se le aplaudió por su capacidad para confrontar la gratificación inmediata con el exceso. El público devoró las paredes de algodón en cuestión de horas y se completó la crítica hacia la voracidad del consumo moderno.
Peter Anton
Obra clave: instalaciones y esculturas gigantes como Sugatarium (2017) y Just Desserts
Materiales: resina, yeso, acrílicos y materiales escultóricos (reproduciendo dulces hiperrealistas)
Exhibiciones: Unix Gallery en Nueva York y el Fairfield University Art Museum en Connecticut
Apodado el “escultor del dulce”. La crítica resaltó su proyecto Sugatarium, en el que simuló un manicomio u hospital psiquiátrico lleno de dulces gigantes aplastados para hablar sobre la conexión entre la adicción al azúcar y el dilema entre el consuelo emocional que ofrece la comida y la locura de la industria alimentaria.
Artistas de la transformación de la vida cotidiana y doméstica
Judith Klausner
Obra clave: Serie From Scratch (2011) y la exposición (de)composed (2022-2023)
Materiales: crema de galletas Oreo, miga de pan tostado, cereales y resinas
Exhibiciones: Brattleboro Museum & Art Center (Vermont), galerías de Massachusetts y Las Vegas
Su trabajo se volvió viral y fue elogiado por revistas de arte y cultura por su técnica. La crítica destacó su capacidad para subvertir materiales ultraprocesados de bajo costo y convertirlos en camafeos victorianos.
Shay Aaron
Obra clave: colección de escultura alimentaria en miniatura (escala 1:12)
Materiales: arcilla polimérica, resinas y pigmentos
Exhibiciones: venta directa en Etsy, exposiciones de diseño en Tel Aviv y muestras de miniaturismo en Europa
Aaron construyó su reputación en el arte digital y el diseño. Portales como Visual Flood y Laughing Squid aclamaron la precisión técnica de sus acabados, ya que sus piezas logran un engaño visual que transforma la relación del espectador con la comida a través del coleccionismo y el detalle.
Linda Florence
Obra clave: Sugar Dance (2006)
Materiales: azúcar granulada, glaseado y plantillas (stencils) de gran formato sobre suelo
Exhibiciones: Crafts Council (Londres), Museo de Arte y Diseño de Nueva York (MAD) y residencias en edificios patrimoniales del Reino Unido
La crítica destacó cómo convierte una técnica tradicional de repostería y diseño textil en una instalación participativa. Señalaron el hecho de usar la fragilidad del azúcar para que los pasos y el baile del público desdibujen la pieza, representando lo efímero y la memoria del espacio.
Una de las maravillas del arte es que cualquier cosa, material, persona, concepto; puede formar parte del universo artístico.
