Una mujer al frente sostiene la bandera de Francia en una mano y un fusil en la otra; su vestido cae dejando al descubierto sus senos mientras guía a la multitud de hombres armados a su alrededor. Ella es la alegoría de la libertad y conduce a los hombres a su propia emancipación en medio de las barricadas parisinas en contra del rey Carlos X.
Esta es la escena de La libertad guiando al pueblo, de Eugène Delacroix, una de las pinturas más reconocidas en el mundo. Historiadores del arte como Giulio Carlo Argan la consideran el primer cuadro político de la pintura moderna. La decisión de “desnudar”, aunque fuera parcialmente, a la figura femenina fue duramente criticada en su tiempo, hoy, en cambio, se admira como símbolo inequívoco de una mujer completamente libre y en lucha.
Los desnudos en el arte nos han acompañado desde tiempos antiguos, basta ver las esculturas de la Antigüedad, como la Venus de Willendorf que data hace 33 mil años aproximadamente. O las esculturas de la Grecia clásica que representaban la perfección y divinidad de los dioses. En el Renacimiento, los grandes artistas hacían estudios anatómicos para plasmar el cuerpo humano. Hacia el Barroco se reinterpretaron los mitos clásicos, y el siglo XIX dio paso a desnudos situados en la cotidianidad. En pleno siglo XXI, el desnudo se convierte en una forma de explorar la identidad, el dolor, la resistencia y la autonomía.
Estos desnudos son más que una radiografía de la estética de su tiempo, en muchos casos son metáforas complejas, mensajes de rebeldía, emancipación, independencia, poder y, en ocasiones, gestos de provocación tan contundentes como la obra de Delacroix.
Plasmar el cuerpo humano completamente desnudo es, en ciertos casos, una representación de nuestra naturaleza más libre, completamente libre de ropajes que nos oculten literal y metafóricamente.
Leonora Carrington y otras artistas que se negaron a ser sólo musas
En el marco del Tema Central Libertad, hemos recopilado algunas de las obras de arte con desnudos más importantes de la historia del arte, ¿las reconoces todas?
1. Leonardo Da Vinci, El hombre de Vitruvio, 1487
También llamada Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano, es uno de los dibujos más famosos de Da Vinci. El artista se basó en los textos de arquitectura de Vitruvio, un arquitecto romano para crear este estudio de lo que suponen ser las proporciones ideales del ser humano.
2. Miguel Ángel, David, 1501-1504
Esta escultura de mármol blanco representa al rey David (sí, el de La Biblia) antes de enfrentarse a Goliat. Además de ser una obra maestra del Renacimiento, es el símbolo inequívoco de la libertad de la República de Florencia. Del mismo modo, su desnudez es un símbolo de la armonía del hombre con la naturaleza, y en general, se considera que el David, es símbolo de la virtud humana.
3. Tiziano, Amor sacro y amor profano, c. 1515-1516
Este óleo muestra a dos mujeres sentadas al borde de un sarcófago clásico: una ataviada con un vestido de novia blanco, una corona de mirto, un cinturón cerrado y guantes, también sostiene unas rosas y una vasija; la otra, apenas cubierta, sostiene en una mano una lamparilla. Al centro vemos a un niño, que ha sido asociado con Cupido, que remueve el agua entre ambas.
Su simbolismo ha sido altamente discutido y realmente no hay un consenso claro, y es que realmente no sabemos el nombre que Tiziano le dio a esta obra, ya que Amor sacro y profano fue acuñado siglos después de su creación.
Una de las teorías más difundidas de este cuadro es que las mujeres son representaciones del concepto del amor profano y la felicidad efímera en la Tierra (la mujer ataviada), y del amor divino o lo que vendría siendo la felicidad eterna en el Cielo. Sin embargo, existen infinidad de versiones, por ejemplo que la mujer vestida representa la castidad y la mujer desnuda (Venus) la sensualidad, por lo que Cupido al centro al remover el agua busca el equilibrio perfecto entre estas cualidades de la mujer.
4. Caravaggio, San Juan Bautista, c. 1602
También conocida como El joven San Juan Bautista con un carnero, es una obra que rompe con las representaciones del santo. En lugar de mostrarlo en el desierto, con una cruz de caña y de aspecto demacrado, Caravaggio no solo lo retrata joven, sino que rompe con toda convención de la iconografía cristiana tradicional.
El santo es despojado de su solemnidad, se muestra completamente desnudo, sonriente y totalmente desinhibido.
5. Diego Velázquez, Venus del Espejo, c. 1647-1651
Retratar a Venus desnuda es un motivo recurrente en el arte, en particular después de la Edad Media cuando los desnudos eran aceptables siempre y cuando se tratara de personajes divinos, de allí que buena parte de los grandes pintores representaran a ésta diosa escasa de ropa.
Del mismo modo, podemos encontrar otras obras en las que Venus se ve frente al espejo, pero lo que hace especial a la pintura de Velázquez es que él la coloca en un contexto común, su pelo es castaño y el reflejo en el espejo está difuminado.
Por supuesto que esto ha llevado a indagaciones sobre la identidad de la modelo e incluso a interpretaciones sobre el ideal de la belleza.
Pero si acaso, cabe resaltar que éste es el único desnudo que existe de Velázquez y, debido a la moral de la época, es de los pocos desnudos en el arte español, que además no muestra ningún órgano sexual, pero expira sensualidad.
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6. Francisco de Goya, La maja desnuda, c. 1790-1800
Pero para hablar de desnudos que causaron conmoción en su época, La maja desnuda de Goya es uno de los mejores ejemplos.
Esta obra fue censurada y se mantuvo oculta. Además, Goya fue perseguido por la Inquisición al presentar una mujer común (o por lo menos que no era una deidad) sin un ápice de ropa y con vello púbico.
Goya terminó por romper los paradigmas que ya se veían en los desnudos en el arte. La maja es una mujer real que por si fuera poco, muestra una actitud audaz, ella mira fijamente al espectador y sonríe.
Conoce más sobre la historia detrás de La maja desnuda aquí.
7. Edouard Manet, Olympia, 1863
Esta pintura también es una de las obras que causó gran escándalo, a pesar de que tiene un símil casi idéntico, la Venus de Urbino de Tiziano.
En un caso muy similar al de Goya, Manet rompía con la tradición al retratar no solo a una mujer común, sino a una prostituta. Ella también mira al espectador sin ápice de timidez y que reclama su espacio.
A su alrededor vemos objetos que simbolizan la sexualidad. Entre ellos la cinta negra en el cuello, la orquedea en su pelo, la zapatilla descalza, así como el ramo de flores que la otra mujer le ofrece que es asociado a los regalos de los clientes, sin olvidar el gato negro a sus pies, que por siglos ha sido un símbolo de la sensualidad.
8. Jules Joseph Lefebvre, La verdad, 1870
Esta es una de las obras en la que su protagonista desnuda es metáfora de algo más, en este caso de la verdad.
Ella se muestra de pie en medio de la oscuridad, su brazo derecho está alzado y sostiene un espejo brillante, mientras que con el izquierdo sostiene una soga. A sus pies se vislumbra un bote así como agua, lo cual ha sido interpretado como una referencia directa a Demócrito (“no sabemos nada, pues la verdad está en un pozo”).
El desnudo de la mujer simboliza la pureza, sin artificios ni engaños ante el espectador, mientras que el espejo representa la claridad y un reflejo de la realidad sin distorsiones.
9. Gustave Courbet, El origen del mundo, 1866
Es imposible hablar de desnudos y no incluir El origen del mundo, y es que esta es la obra más disruptiva que conocemos hasta la actualidad, ni hablar del siglo XIX.
Courbet decide centrarse en la vulva de una mujer cuyo pubis está cubierto con vello negro. La mujer se encuentra acostada en una cama y además de su sexo, solo son visibles su torso y muslos. La obra, por supuesto, rompía con todo lo establecido hasta el siglo XIX y por tanto, se mantuvo oculta por muchos años.
10. Léon-Joseph Florentin Bonnat, Job, 1880
Retornando a las obras religiosas, esta pintura de León Bonnat muestra a Job, un ganadero rico que es sometido a varias pruebas para demostrar que su devoción a Dios es solo por la abundancia que tiene. Así, Job atraviesa diversas desgracias hasta perderlo todo. No obstante, Job se mantiene fiel. En este caso, Job es retratado sentado en el suelo, totalmente demacrado y desnudo, pero sus manos y rostro están alzados en forma de plegaria. Este es un símbolo de la vulnerabilidad y la devoción, que en términos religiosos remite a la idea de que la pobreza y el amor a Dios son una virtud.
11. Henri de Toulouse-Lautrec, Mujer ante un espejo, 1897
Toulouse-Lautrec no es ningún ajeno a la vida en los cabarets y burdeles parisinos, y muchas de sus obras lo demuestran. En Mujer ante un espejo, capturó a una mujer que contempla su reflejo y le da la espalda al resto de su habitación. Esta obra se ha interpretado como una representación de soledad de las mujeres que vivían en burdeles, así como del repudio social al que eran sometidas en la sociedad parisina del siglo XIX.
12. Pablo Picasso, Las señoritas de Avignon, 1907
Las cinco mujeres desnudas en un burdel de la calle de Avinyó de Barcelona marcan una ruptura total en el arte y el inicio de una nueva vanguardia: el cubismo, y sin duda alguna un gran cambio en el propio estilo de Picasso.
El realismo que se acostumbraba en la época desaparece completamente en este cuadro, así como el ideal de belleza que se perseguía. Ellas son retratadas de forma fragmentada, con planos cortantes y angulares.
13. Frida Kahlo, Columna Rota, 1944
Frida Kahlo pintó este autorretrato en el que se coloca a sí misma en un paisaje árido, y su cuerpo repleto de clavos con un corset médico, mientras que al centro, en el lugar de su columna vertebral muestra una columna jónica fragmentada y en su rostro se ven lágrimas.
En esta pintura Frida Kahlo no solo se desnuda a sí misma, también devela sus cicatrices, el dolor con el que vive y su vulnerabilidad.
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