La exposición A espessura dos dias (La espesura de los días) marca la primera presentación individual en México del artista brasileño Eduardo Berliner (Río de Janeiro, 1978), y lo hace desde un lugar profundamente íntimo y reflexivo.
Presentada en Galería LABOR del 2 de febrero al 22 de marzo de 2026, la muestra reúne obras producidas en los últimos años (la mayoría del último par de años) como un entramado de memorias, gestos, observaciones y procesos.
En el recorrido exclusivo para Revista Central, Berliner deja claro que el orden no es fijo: las obras funcionan como puntos de contacto entre sí, activándose mutuamente en la experiencia del espectador, de forma similar a como opera la memoria y los distintos niveles de la mente y la consciencia.
La pieza con la que iniciamos el recorrido funciona como un umbral silencioso. Más que una obra inaugural en sentido tradicional, es un punto de partida perceptivo. El artista la describe como una de sus primeras pinturas, realizada cuando aún estaba comenzando a entender su propio proceso. En ella, Berliner dibuja una base mínima sobre la tela, incorporando objetos cotidianos encontrados en el estudio para luego permitir que la pintura avance casi sin control consciente. Esta forma de trabajar está íntimamente ligada a su práctica diaria de dibujo en sketchbook, una costumbre que mantiene desde hace más de veinte años.
Las marcas, manchas y correcciones visibles en la superficie no son errores, sino rastros de un proceso donde el artista intenta “encajarse” a sí mismo dentro de la pintura, explorando el espacio que habita mientras trabaja.
En A espessura dos dias, la técnica es inseparable del concepto. El artista insiste en que no trabaja con símbolos ni proyectos cerrados. Más bien, su subtema constante es el acto de trabajar en sí mismo: la reacción del cuerpo frente a la pintura, la convivencia entre la vida cotidiana y el hacer artístico.
Episodios aparentemente triviales se convierten en detonadores visuales que luego reaparecen transformados en la pintura.
Esta relación entre experiencia y representación se vuelve especialmente evidente en las obras basadas en la observación directa. Un ejemplo es el cuadro compuesto por botas infantiles llenas de agua, un pez vivo y otros objetos que el artista retoma del contexto.
La imagen surge de una cadena de asociaciones: unas botas vistas al borde de un camino, el recuerdo de unas botas similares llenas de agua años después, la inversión del interior y el exterior, de lo seco y lo líquido. Berliner pinta guiado por la luz intensa que incide sobre ellos. El resultado es una composición de colores saturados donde conviven lo animado y lo inanimado, lo quieto y lo vivo. Como la pintura del pez muerto cuyos colores e iluminación transmiten vida, una paradoja posible solo en el arte.
El agua, la transparencia y la refracción aparecen como modelos recurrentes, pero no desde un lugar simbólico. Berliner rechaza la idea de que sus imágenes funcionen como metáforas cerradas. Para él, el interés está en la experiencia física de ver: cómo la luz atraviesa un material, cómo se distorsiona una forma, cómo la percepción se ve alterada por el medio.
Recuerdos corporales, como la sensación de estar dentro de un lago helado durante la infancia, emergen no como historias explícitas, sino como capas afectivas que van nutriendo la imagen y la pintura misma. En este sentido, la obra se construye a partir de todo lo vivido por el artista, desde el nacimiento hasta el momento presente en que el espectador puede apreciarlas.
Otras piezas parten de fuentes fotográficas precarias, como imágenes impresas con cámaras infantiles o Polaroids térmicas, cuya información visual es mínima y tiende a desaparecer con el tiempo. Estas imágenes, casi fantasmas, obligan al artista a trabajar con muy pocos datos; leves variaciones de gris, contornos borrosos, atmósferas apagadas. En un mundo saturado de imágenes de alta resolución, Berliner encuentra en esta pobreza visual una forma de resistencia. Las pinturas resultantes parecen desvanecerse ante los ojos del espectador, evocando la fragilidad de la memoria y su tendencia a borrarse, a transformarse con el paso del tiempo.
La exposición La espesura de los días está compuesta por fragmentaciones, superposiciones y cortes abruptos que manifiestan de manera viva y colorida la forma en que la memoria se esparce en la mente; no como un relato continuo, sino como una serie de interrupciones, huecos y asociaciones libres. Berliner concibe estas piezas como puentes, no entre dos estados opuestos, sino entre distintos niveles de percepción que coexisten en una misma imagen.
A espessura dos dias se presenta así como una exposición de múltiples direcciones, donde cada obra parece pertenecer a una familia distinta, aunque todas comparten un mismo pulso interno.
Lejos de buscar una unidad estilística evidente, Berliner apuesta por la convivencia de procesos diversos. La muestra no ofrece respuestas cerradas ni lecturas únicas; más bien, nos lleva a habitar ese espesor del tiempo donde los días, los recuerdos y las imágenes se superponen. En su primera exposición en México, Eduardo Berliner no se presenta con una declaración contundente, sino con una apertura; un espacio en el que podemos discurrir como si estuviéramos en el interior de su mente.
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